Mas tarde, dos viajes fueron fundamentales para revelar el gesto en su pintura. En 2016 recorrió Japón y al apreciar los grabados japoneses o ukiyo-e reconoció el uso de la línea como un elemento formal esencial para la construcción de los contornos de un paisaje. Por otra parte, en Washington D.C. se topó con Arthur Dove (1880 – 1946) y su particular manera de representación de formas indefinidas pero divididas por líneas curvas acentuadas. También, llegó a una postal de Milton Avery (1885 – 1965), algo que buscaba sin darse cuenta; una pintura sintética, muy atmosférica y con un colorido maravilloso. Lo

que derivó en una indagación de paisajes marinos de algunos otros artistas como Henri Matisse (1869 – 1954). A pesar de que el mar había estado presente en proyectos como “Fenecimiento y Naturaleza” (2005 – 2006) y “Desde el jardín” (2018), no se había considerado como un objeto de estudio central. Sin embargo, al observarlo y habitarlo constantemente en los últimos años, le dio una relevancia significativa como un cuerpo que da paso a la contemplación. En este sentido, el cielo y el mar diferenciados por un aparente eje horizontal que se transforma contantemente, se convirtieron en una excusa para explorar las herencias de la modernidad: las líneas gruesas, los trazos, las manchas y los chorreones, como traducciones de las experiencias de la artista.

El proceso pictórico comienza con dibujos esquemáticos donde se pueden reconocer los territorios, la vegetación, la arena y, por su puesto, el mar y el cielo. Posteriormente, los detalles de la naturaleza desaparecen, el color, el sonido y la cadencia del ambiente se trasladan al lienzo como abstracciones, nubes, líneas y pinceladas. La energía que tiene el trazo de alguna manera encarna la fuerza del mar que se despliega en capas y veladuras de color insinuando una analogía sobre las sensaciones que nos produce el mar. El lienzo es el espacio donde se da la traducción de las cualidades de los objetos observados en la cotidianidad. Los formatos pequeños de alguna manera no corresponden al espectro contemplativo, por esto, tomó tamaños más grandes y apaisados donde se da una nueva interpretación del paisaje, enfocándose en la luz de los astros; el sol y la luna, como cuerpos que se ciernen entre la claridad del amanecer y la oscuridad del atardecer. Introduciendo una reflexión profunda sobre el paso del tiempo y cómo se puede capturar el cambio en los objetos, las formas, los volúmenes y los colores en un proceso pictórico.

Los grandes formatos permiten una expresión más suelta y una libertad al explorar una paleta de color vibrante. La particularidad de las pinturas de esta muestra son sus vibraciones ópticas en las que se perciben figuras escondidas u ocultas que llevan a palimpsestos cromáticos. Lo anterior, alejándose de una representación mimética del paisaje, pero con una armonía prodigiosa entre las formas y el color. En la fluidez de la materialidad se encuentran formas abstractas desligadas de la belleza que invitan al espectador a trascender lo estético. “Pensar el mar” materializa un homenaje a los océanos al confluir movimientos, estilos y épocas que han creado un lenguaje abstracto profundamente rico; sin pasar por alto cómo en el trabajo pictórico resuenan los recuerdos y la memoria de los cuerpos que habitan el horizonte y nuestra relación con ellos siendo parte de un mismo espacio y tiempo.

Luciana Rizo